ISLANDS OF DESIRE

Die Ausstellung ISLANDS OF DESIRE vereint Werke von zwölf Künstler*innen, die sich im Verlauf ihrer Karriere mit _queerness_ beschäftigt haben und/oder sich aktuell damit beschäftigen.

Ursprünglich hatte ich den Titel _queer worlds_ für die Ausstellung gewählt, den ich schliesslich aber doch zu sehr à la mode fand, denn mein Ansporn, eine Ausstellung zum Thema zu planen, lag in entgegengesetzter Richtung: Ich wollte aufzeigen, dass mehrere Keramikerinnen und Keramiker, die ich in meiner Galerie vertrete, _queerness_ in ihren Werken thematisierten, lange bevor _queere Kunst_ en vogue und vom Kunstmarkt vereinnahmt wurde. Besonders erwähnen möchte ich diesbezüglich Gundi Dietz, Marja Hooft, Audrius Janušonis und Akio Takamori.

Ich entschied mich schliesslich für ISLANDS OF DESIRE, da dieser Titel offener und meiner Meinung nach auch poetischer ist. Mir gefiel und gefällt nach wie vor, dass das englische Wort DESIRE mehrdeutig ist und sowohl mit Sehnsucht, Begehren, Lust und Wünschen übersetzt werden kann.

Die Recherche nach weiteren Künstler*innen, deren Werke zum Ausstellungsthema passen würden, gestaltete sich schwierig. Es erstaunte mich eigentlich nicht, dass sich am meisten Google-Einträge finden lassen, die die schwule Erotik in vielfältiger Weise darstellen. Dies erklärt sich vermutlich dadurch, dass schwule Männer neben Drag Queens und Transsexuellen zu den Aktivisten der ersten Stunde gehörten, die für ihre Emanzipation und Rechte kämpften, so auch am sogenannten Stonewall-Aufstand 1969 an der Christopher Street in New York, der seitdem als Geburtsstunde der modernen Homosexuellen-Bewegung gilt. Erstaunt musste ich jedoch feststellen, dass _queer_ häufig sowohl als Hashtag auf Instagram als auch bei persönlichen Websites als Marketingstrategie eingesetzt wird, um den Verkauf biederer und künstlerisch fragwürdiger Keramiken anzukurbeln. Dennoch entdeckte ich während meiner Suche auch Werke, die meinem Anspruch entsprachen. Zu meiner Freude sind daher Stephen Benwell, Adam Chau und Kathy King mit ihren Arbeiten in der Ausstellung vertreten.

Kirsten Brünjes, Gundi Dietz, Marja Hooft, Esther Shimazu und Lena Takamori haben zum Teil neue Werke für die Ausstellung geschaffen. Im Gedenken an die zu früh verstorbene Christyl Boger wollte ich unbedingt ein Werk von ihr zeigen. Schliesslich durften auch die zwischen erotischen Anspielungen und grotesken Momenten agierenden Figuren von Caro Suerkemper nicht fehlen.

.
Das Werk von Stephen Benwell (1953, Australien), umfasst Keramiken, Zeichnungen, Arbeiten auf Papier und Gemälde. Obwohl er keine formale Ausbildung in Keramik hat, bildet dieses Medium die Grundlage seiner künstlerischen Praxis. In seinem Werk verbindet er die keramischen mit den malerischen und bildhauerischen Anliegen des zeitgenössischen Künstlers. _Der männliche Akt, die Anspielung auf den schönen Helden, ist das Motiv, das in Benwells Werk am häufigsten auftaucht. Die Anklänge an die klassische griechische Bildhauerei und die Ideale männlicher Schönheit sind offensichtlich, aber sie sind auch autobiografisch. Die Figur ist Benwell selbst, und sein Leitmotiv ist der homosexuelle Blickwinkel._ Stephen Benwells Figuren stehen solitär, nachdenklich und zurückhaltend und lassen uns über ideale Schönheit und menschliches Verlangen und Begehren meditieren.

.

In ihren Werken vereint Christyl Boger (1959-2018, USA) Darstellungen der zeitgenössischen Figur mit Anleihen kunstvoll gearbeiteter Figurinen des Barock und des Rokoko und erschafft so Werke, bei denen es ebenso sehr um menschliches Verhalten wie um das Objekt der physischen Schönheit geht. Aufgrund ihrer keramischen Zusammensetzung ist jede Figur gleichzeitig Haut und Hülle, Wirklichkeit und Gedanke. _Als Künstlerin habe ich mich schon immer für den Balanceakt interessiert, den der animalische Mensch vollführt, für unseren ständigen Kampf zwischen Trieb und Kontrolle, den Wünschen des Körpers, die von einer Schicht kultureller Zwänge überlagert werden._ Christyl Bogers Figuren stehen als Metaphern für ein menschliches Subjekt, das von sozialen und kulturellen Traditionen geprägt ist, aber auch von der Anziehungskraft unnennbarer Sehnsüchte überwältigt wird. _Meine Figuren ... tragen die Zeichen ihrer Natur wie auch ihrer Enkulturation. Die Haltungen der klassischen Ruhe zeigen auf den zweiten Blick Gesten, die irgendwo zwischen dem Akt des Verbergens und der schamlosen Selbstdarstellung und des Begehrens eingefroren sind._

.

Kirsten Brünjes (1964, D) hat für die Ausstellung eine Gruppe mit neuen und mit überarbeiteten Figuren zusammengestellt. Wie wir es von ihr kennen, ist nichts wie es auf den ersten Blick erscheint, denn immer wieder führt sie uns auf falsche Fährten, um vielschichtige Bedeutungsebenen zu öffnen. Ihre Interpretation des Ausstellungsthemas ist unerwartet, die Botschaft verschlüsselt und assoziativ. Der künstlerischen Arbeit von Kirsten Brünjes wohnen drei Prinzipien inne: Mut für das Unperfekte, das Spiel mit Ambivalenzen und die Kommunikation von Innerlichkeit. Die Augen, mit naturalistischer Akribie gestaltet, dienen der Kontaktaufnahme und der Vermittlung von Innen- und Aussenwelt. Im klaren, offenen Schauen dieser Antihelden tritt ein erstaunliches Selbstbewusstsein zu Tage, und in dieser subjektiven Begegnung wird die humane Dimension der Figuren spürbar.

.

Adam Chau (1988, USA) stellt blau-weisse Porzellanobjekte her, bei denen er Kobalt als Pigment verwendet. Dabei zieht er Parallelen sowohl zum historischen Handwerk mit einer langen Geschichte der Globalisierung als auch zu einem Material, das in der Elektronikindustrie verwendet wird. Die KI-generierten Bilder auf den in der Ausstellung gezeigten Tellern entstehen, indem Adam Chau einer Software präzise Textanweisungen (Prompts) eingibt, um bestimmte Arten von Bildern zu erhalten. _Ich habe mir für _Generated Love_ eine Welt vorgestellt, in der es keine Homophobie gibt, und mir die Frage gestellt, was wäre, wenn die Keramikkünstler im China der Ming-Dynastie schwul gewesen wären? Wie sähe unsere Welt aus, wenn wir die queere Identität feiern würden? Würden unsere Werke diese integrative Denkweise widerspiegeln? Ich sage der KI-Software, sie solle sich Töpferwaren vorstellen, in denen _zwei Männer verliebt sind_, da ich davon ausgehe, dass das Wort _Liebe_ subjektiv und für die Software bedeutungslos ist. So erhalte ich Bilder, die liebenswert sind und eine ganz bestimmte Art von Zuneigung vermitteln._

.
Im Laufe der Jahre hat Gundi Dietz (*1943, Österreich) ihre Figuren, welche sowohl eine überindividuelle Idee wie eine persönlich geprägte einfühlbare Urheberschaft manifestieren, immer mehr auf ihre Grundsubstanz reduziert. Gesellte sie ihnen früher Attribute oder offensichtliche Zeichen von Gefährdungen und Verletzungen, von Stärke und Vitalität bei, konzentriert sie sich heute einzig auf den Ausdruck. Gundi Dietz hat neben ihren mittlerweile weltbekannten Frauenfiguren bis in die Gegenwart stets auch das Zwischengeschlechtliche mit grosser Selbstverständlichkeit in berührenden und beeindruckenden Figuren dargestellt. Form, Proportionen und Details sind gleichermassen stimmig wie originell und beweisen aussergewöhnliche Meisterschaft sowohl im Umgang mit dem Material als auch bei der Umsetzung der künstlerischen Absicht. Gundi Dietz arbeitet gegen das Gefällige. Schön und hässlich, abstossend oder anziehend sind für sie nicht klar und einfach zu trennen. Jedes Wesen ist beides, hat Würde und seine Wunden.

.

Marja Hooft (1946, NL) gründete 1985 die Künstlergruppe Cheops. Diese Gruppe versuchte, eine Alternative zur meist traditionellen niederländischen Keramik zu schaffen. Das Experimentieren und die gegenseitige künstlerische Befruchtung standen dabei im Vordergrund. Das Kollektiv wurde 1996 aufgelöst. Seitdem liegt ihr Hauptaugenmerk auf der menschlichen Figur. Es sind leichte, erzählerische Objekte, bei denen sich Mensch und Tier gegenseitig unterstützen und gelegentlich ineinander überzugehen scheinen. Seit jeher gilt ihr Interesse auch an der Darstellung hintersinnig-verspielter queerer Erotik, die sie uns im Stil des klassischen Delfter Porzellans und ihrer unverwechselbaren Art naiver Darstellung präsentiert.

.

Audrius Janušonis (*1968, Litauen) ist ein sensibler Beobachter, ein Chronist menschlichen Verhaltens. 1994 schloss er sein Studium der Skulptur an der Kunstakademie in Vilnius ab. Seitdem widmet er sich in seiner künstlerischen Arbeit der menschlichen Figur. Das Erzählerische, der feine, bisweilen hintersinnige, dunkle Humor und die raffinierte Symbolhaftigkeit seiner mit Virtuosität geformten Figuren wecken vielfältige Assoziationen. Dabei ist es oft schwierig zu unterscheiden, wo die Wirklichkeit endet und das Traumhafte beginnt. Äusserlichkeiten erhalten Bedeutung als Sinnbilder für innere Vorgänge. Audrius Janušonis befasste sich Anfangs der Nullerjahre in verschiedenen Versionen mit Travestie und Geschlechterrolle oder der uneindeutigen Zuordnung des Geschlechts, indem er Frank Zappa, dessen Band _The Mothers_ hiess und für dessen Musik er sich als junger Kunststudent begeisterte, in kurzen oder langen Röcken darstellte.

.

Kathy King (1968, USA) konzentriert sich in ihrer Arbeit auf die Darstellung von Erzählungen mit einem feministischen Blickwinkel. Die Verwendung von Sgraffito verweist auf ihre Ausbildung als Grafikerin. Bei der Sgraffito-Technik geht es darum zwei Farbschichten übereinander zu legen und danach Teile der oberen Farbschicht wegzukratzen, solange die obere Farbe noch nicht vollständig getrocknet ist. Kathy Kings Bildideen sind von persönlichen Erfahrungen beeinflusst, dementsprechend integriert sie sich selbst oft als Figur in ihrer Arbeit. Häufig tragen ihre Werke eine schriftliche Botschaft, die die Wirkung der Bilder noch verstärkt. Kathy King interessiert sich für die Art und Weise, wie die Populärkultur in Print- und digitalen Massenmedien das Leben von Frauen nicht nur widerspiegelt, sondern auch formt, und untersucht diesen Einfluss kritisch. Mit Humor, Ironie und Sarkasmus setzt sie sich in ihrer Arbeit mit Fragen von Geschlecht und Sexualität auseinander und stellt traditionelle sexuelle Normen in Frage.

.

Die minutiös und naturalistisch bis in die feinsten Details gearbeiteten Frauen und Männer von Esther Shimazu (*1957, USA) fallen mit ihrer Blösse und ihrer Körperfülle als Neuinterpretation der nackten Figur auf und sind unverkennbar von der japanischen Herkunft der Künstlerin geprägt. Immer ein Stück Selbstporträt, aufrichtig, sinnlich, ohne Scham und üppig mit runden Bäuchen, Wangengrübchen, haarlosen Köpfen und diabolisch-fröhlichem Lachen strahlen die Figuren in einer Mischung aus Erfahrenheit und Unschuld eine unumstösslich scheinende Lebensfreude aus und nehmen direkten Kontakt mit dem Gegenüber auf. Viel der feinen Raffinesse der von historisch-asiatischen Skulpturen geprägten Arbeiten von Esther Shimazu liegt in der sorgfältigen Positionierung der kleinen Hände und Füsse und deren Kontrast zu den voluminösen Körpern und Köpfen. Die Hände winden sich anmutig und erinnern mit Absicht an das Gebärdenspiel hinduistischer Figuren, polynesischer Tänzer und hawaiianischem Hula und reflektieren asiatische Symbolik und multikulturelles Menschsein.

.

Caro Suerkempers (1964, D) Thema ist der menschliche Leib in seiner ekstatischen Verdrehung und emotionalen Durchdringung. Sie greift Konzepte der Porzellankunst des 17. und 18. Jahrhunderts auf und überzeichnet die modellierten oder gemalten Frauenfiguren in provokanten und lustvollen Szenarien. Die Bandbreite der Motive reicht von obszöner Ergebenheit bis zu Versuchen latent aggressiver Selbstbehauptung. Dabei geht es der Künstlerin nicht um vordergründige Effekte, sondern um die Frage nach gesellschaftlicher und kultureller Identität und Prägung. Ob züchtig oder verrucht, schrill oder verhalten - letztlich bleiben alle Figuren eingebunden in ein Geflecht der Regeln und Konventionen; noch in der extravagantesten Selbstdarstellung steckt fremdbestimmtes Rollenspiel. Die Figurengruppe _Fortschritt_, erinnert an eine Barockskulptur zur erotischen Erbauung der Betrachter*innen. Schaut man genau hin, so erweist sie sich als zugespitzte Darstellung von Dominanz und Unterwerfung. Caro Suerkemper formuliert mit ihren Figuren ihr Interesse an Spielregeln und Ordnungssystemen und die Fragen nach Macht und Ohnmacht, Lust und Kontrolle.

.

Die _envelope-vessels_ von Akio Takamori (1950 - 2017, J/USA) sind _eine Fortentwicklung seiner Idee, welche zu Beginn der 1980er Jahre in der Gefässkunst grosses Aufsehen erregt hatte, nicht allein dadurch, dass er die Jahrtausende alte Form des Gefässes weiterentwickelte, sondern dass er den dem Gefäss eigenen, ursprünglich Nahrungsmittel fassenden Leerraum in einen emotionalen Raum verwandelte durch die beiden einander zugeneigten Liebenden. Seine _lovers_ zeigen neben heterosexuellen auch homosexuelle Paare beim Liebesakt. Akio Takamori verzichtet auf jegliche Attribute. Allein durch die Blicke und Körperhaltungen erlaubt er Einblicke in die jeweilige Art der Beziehung. Obwohl der Einfluss von Kitagawa Utamaro (1753-1806) auf die envelope vessels unbestritten ist, erfährt die Thematik bei Akio Takamori eine Erweiterung nicht nur bezüglich der Dimensionalität, sondern vielmehr bezüglich der Universalität der Macht des Eros, etwa indem er die einzelnen Akteure farblich voneinander absetzt, um die suggerierten ethnischen Merkmale alsbald gleich wieder im Liebesakt - wie alle anderen Unterschiede auch - zur Verschmelzung zu bringen. Akio Takamori hat mit seinen _envelope-vessels_ der _existentiellen Bedeutung des Eros in der ihm eigenen Balance zwischen kraftvoller Expressivität und einfühlsamer Humanität eindrücklich Ausdruck verliehen_.

.

Lena Takamori (1990, USA/UK) geht ihren eigenen künstlerischen Weg, ungeachtet der aktuellen Trends im Kunstzirkus. Ihre Werke überzeugen durch ihre Eigenständigkeit und die hohe künstlerische Qualität sowohl im Bildhauerischen als auch im Malerischen. Die Inspiration für ihre Werke findet sie im Alltag - um das, was ihr bereits vertraut vorkommt, auf neue Weise zu sehen. Mit _Stepping Out of Dress_ hat Lena Takamori einen intimen, meist privaten und mitunter erotischen Moment des Entkleidens festgehalten, der die Neugierde weckt und zu mancherlei Fragen anregt.

Hanspeter Dähler

The exhibition ISLANDS OF DESIRE brings together works by twelve artists who have in the course of their careers addressed _queerness_ and/or are currently still doing so.

The first working title I had chosen for the exhibition was _queer worlds_ but in the end I found this too trendy. My motivation in planning an exhibition on the subject of queerness went in a different direction altogether: I wanted to show that several ceramists that I represent in my gallery have addressed this subject in their works long before _queer art_ became fashionable and was appropriated by the art market. The artists I would here like to give special mention to are Gundi Dietz, Marja Hooft, Audrius Janušonis and Akio Takamori.

ISLANDS OF DESIRE, the title I finally chose, is in my opinion both more open and poetic. I liked and still like the fact that the English word DESIRE is ambiguous and has a number of varied definitions such as longing, desire, lust and wish.

The research I conducted to find other artists whose works seemed a good fit for the exhibition theme proved difficult. I was not surprised to find that most works I came across focus on various aspects of gay eroticism. A possible explanation is that gay men, along with drag queens and transsexuals, were among the first activists to fight for their emancipation and rights, as well as at what came to be known as the Stonewall Uprising in 1969 on Christopher Street in New York, which has since been considered the birth of the modern homosexual movement. I was, however, surprised to discover that _queer_ is often used both as a hashtag on Instagram and on personal websites as a marketing strategy to boost sales of ceramic works that are conventional and of questionable artistic merit. Nevertheless, during my search I did also discover works that met my standards and to my delight a number of the artists behind these, such as Stephen Benwell, Adam Chau and Kathy King, are now represented in the exhibition.

Kirsten Brünjes, Gundi Dietz, Marja Hooft, Esther Shimazu and Lena Takamori have all created a number of new works for the exhibition. Also, I very much wanted to commemorate Christyl Boger, who passed away far too soon, and have include one of her pieces. Finally, not to include Caro Suerkemper‘s figures, which move between erotic allusions and instances of grotesqueness, was utterly out of the question.

.
The work of Stephen Benwell (1953, Australia), comprises ceramics, drawings, works on paper and paintings. Although he has had no formal training in ceramics, this medium forms the basis of his current artistic practice. His ceramic work result from the painterly and sculptural concerns of a contemporary artist. _The male nude, the allusion to the beautiful hero, is the motif that recurs most often in Benwell‘s work. The references to classical Greek sculpture and the ideals of male beauty are evident, but there is also an autobiographical element. The figure is Benwell himself, and his guiding principle is the homosexual point of view_ . Stephen Benwell‘s figures stand solitary, pensive and reserved, leaving us to meditate on ideals of beauty and human desire and longing.

.

In her works, Christyl Boger (1959-2018, USA) combines representations of the contemporary figure with borrowings from ornate figurines of the Baroque and Rococo periods, creating figures that are as much about human behaviour as they are about the object of physical beauty. Because of their ceramic makeup, each figurine is at once skin and shell, reality and thought. _As an artist I have always been interested in the strange balancing act performed by the human animal, in our ongoing struggle between impulse and control, personal and communal agenda and the desires of the animal body overlaid by a veneer of cultural constraint._ Christyl Boger‘s figures stand as metaphors for a human subject shaped by social and cultural traditions, but also overcome by the pull of unnameable desires. _My figures...wear the signs of their nature as well as their enculturation. The postures of classical repose at second glance reveal gestures frozen somewhere between the act of concealment and flagrant self-display._

.

For this exhibition, Kirsten Brünjes (1964, Germany) has put together a group of new and reworked figures. As we have come to expect from her, nothing is as it appears at first glance. Time and again she puts us on false trails to open up multi-layered levels of meaning. Her interpretation of the exhibition theme is unexpected, the message coded and associative. Three principles are inherent in Kirsten Brünjes‘ artistic work: courage for the imperfect, the play with ambivalences and the communication of inwardness. The eyes, meticulously naturalistic in their design, serve to establish contact and to communicate the inner and outer world. In the clear, open gaze of these anti-heroes, an astonishing sense of self-confidence is realized, and in this subjective encounter, the human dimension of the figures becomes perceptible.

.

Adam Chau (*1988, USA) creates blue and white porcelain objects using cobalt as a pigment. In doing so, he draws parallels between the historical craft with a long history of globalisation and to a material used in the electronics industry. The AI-generated images on the plates shown in the exhibition result from Adam Chau giving in precise text instructions (prompts) to software in order to obtain specific types of images. _I have been using it to imagine a world where homophobia does not exist and ask the question - what if ceramic artists in Ming Dynasty China were gay? What would our world look like if we celebrated queer identity? Would our pottery reflect this inclusive mindset? I tell the AI software to imagine pottery where „two men are in love“ - I enjoy this term because I would assume that the word _love_ is subjective and a bit meaningless to a computer, yet I receive images that are endearing and convey a very specific type of affection._

.
Over the years, Gundi Dietz (1943, Austria) has increasingly refined and reduced her works, which manifest both a supra-individual idea and an authorship that can be empathised with as deeply personal, to their basic substance. Whereas in the past she added attributes or obvious signs of danger and injury, of strength and vitality, today she concentrates solely on expression. Aside from her now world-famous female figures, Gundi Dietz has always also portrayed the intersexual with a splendid matter-of-factness in her affecting and impressive figures. Form, proportions and details are equally coherent and original, and demonstrate exceptional mastery in the handling of the material as well as in the realisation of artistic intention. Gundi Dietz works against the merely pleasing. Beautiful and ugly, repulsive or attractive are not clearly and easily separable for her. Every being is both, owning its dignity and its wounds.

.

Marja Hooft (1946, Netherlands) cofounded the artists‘ group Cheops in 1985. This group aimed to create an alternative to Dutch ceramics, which was still for the most part still very traditional. Experimentation and artistic cross-fertilisation were at the forefront of the movement. The collective was, however, disbanded in 1996. Since then, her main focus has been on the human figure. They are light, narrative objects in which human and animal support each other and occasionally seem to merge. She has always also been interested in the representation of a playfully cryptic queer eroticism, which she presents to us in the style of classical Delft porcelain and her own distinctive kind of naïve representation.

.

Audrius Janušonis (1968, Lithuania) is a sensitive observer and chronicler of human behaviour. In 1994, he completed his studies in sculpture at the Vilnius Academy of Art. Since then, he has devoted his artistic work to the human figure. The narrative aspect, the subtle, sometimes sly, dark humour and the refined symbolism of his figures, shaped with great virtuosity, altogether evoke manifold associations. It is often difficult to distinguish where reality ends and the dreamlike begins. Outward appearances take on meaning as symbols for inner processes. At the beginning of the noughties, Audrius Janušonis dealt in various versions of his work with travesty and gender roles or the ambiguous assignment of gender by depicting Frank Zappa – whose band was called _The Mothers_ and whose music Janušonis loved as a young art student – in short or long skirts.

.

In her work, Kathy King (1968, USA) focuses on the representation of narratives with a feminist point of view. The use of sgraffito points back to her training as a graphic designer. The sgraffito technique involves placing two layers of paint on top of each other and then scratching away parts of the top layer of paint before it is completely dry. Kathy King‘s pictorial ideas are influenced by personal experiences, and thus she often incorporates herself as a figure in her work. Frequently her works include a written message that adds to the impact of the images. Kathy King is interested in the way popular culture in print and digital mass media not only reflects but also shapes women‘s lives, and she examines this influence critically. She uses humour, irony and sarcasm to address issues of gender and sexuality in her work, challenging traditional sexual norms.

.

Meticulously formed and naturalistic to the smallest detail, the women and men formed by Esther Shimazu (1957, USA) stand out with their nakedness and with their corpulence as new interpretations of the nude. They are unmistakably shaped by the artist’s Japanese heritage. Always part self-portrait, sincere, sensuous, unashamed and voluptuous, with rounded bellies, dimples, bald heads and diabolically cheerful laughter, the figures radiate – with a mix of sophistication and innocence – a seemingly irrepressible joie de vivre, while making direct contact with their vis-à-vis. Much of the subtle refinement in her work, which is shaped by historical Asian sculptures, lies in the careful positioning of the small hands and feet and in their contrast to the voluminous bodies and heads. The hands curl gracefully and are intentionally reminiscent of the gesticulation of Hindu figures, Polynesian dancers and the Hawaiian hula, and reflect Asian symbolism and a multicultural humanity.

.

Caro Suerkemper‘s (1964, Germany) subject is the human body in its ecstatic contortion and emotional permeation. She takes up concepts from 17th and 18th century porcelain art and places the modelled or painted female figures in exaggeratedly provocative and lustful scenarios. The range of motifs extends from obscene submission to attempts at latent aggressive self-assertion. The artist is not concerned with superficial effects, but with the question of social and cultural identity and imprinting. Whether innocent or disreputable, reticent or shrill - ultimately all the figures remain bound up in a web of rules and conventions; even in the most extravagant self-portrayal there is heteronomous role-playing. The group of figures _Progress_ is reminiscent of a Baroque sculpture for the viewer‘s erotic edification. If you look closely, it turns out to be a pointed representation of dominance and submission. With her figures Caro Suerkemper formulates her interest in the rules by which we play and systems of order, as well as questions regarding power and powerlessness, desire and control.

.

The _envelope-vessels_ by Akio Takamori (1950 - 2017, Japan/USA) are _a further development of his idea, which caused a great furore in this art branch at the beginning of the 1980s, not only because he further developed the millennia-old form of the vessel, but also because he transformed the vessel‘s own empty space, originally intended to hold food, into an emotional space through the two lovers facing each other. His _lovers_ show both heterosexual and homosexual couples making love. Akio Takamori has no interest in any attributes. Alone through their gaze and posture he gives us insights into the respective nature of the relationship. Although the influence of Kitagawa Utamaro (1753-1806) on envelope vessels is undisputed, in Akio Takamori‘s work the theme is expanded, not only in terms of dimensionality but also in terms of the universality of the power of Eros, for example by setting the individual actors apart in terms of colour in order to immediately bring the suggested ethnic characteristics – like all other differences – back together again in the act of love. With his _envelope-vessels_ Akio Takamori has given impressive expression to the _existential significance of Eros in his own balance between powerful expressiveness and sensitive humanity._

.

Lena Takamori (1990, USA/UK) follows her own artistic path, regardless of what current trends dominate the art market. Her works are convincing because of their independence and the high artistic quality in both sculpture and painting. She finds the inspiration for her works in everyday life – to see what already seems familiar in a new way. With _Stepping Out of Dress_, Lena Takamori has captured an intimate, mostly private and sometimes erotic moment of undressing that piques our curiosity and engenders numerous questions.

Hanspeter Dähler

L‘exposition ISLANDS OF DESIRE réunit les œuvres de douze artistes* qui ont abordé les thématiques _queer_ au cours de leur carrière et/ou qui s‘en préoccupent actuellement.

J‘avais initialement choisi le titre _queer worlds_ pour l‘exposition, mais je l‘ai finalement trouvé trop « à la mode », car ma motivation à imaginer une exposition sur ce thème allait dans le sens inverse : je voulais montrer que plusieurs céramistes que je représente dans ma galerie ont abordé la thématique _queer_ dans leurs œuvres bien avant que l‘_art queer_ ne devienne en vogue et que le marché de l‘art ne se l‘approprie. Je voudrais mentionner en particulier Gundi Dietz, Marja Hooft, Audrius Janušonis et Akio Takamori.

J‘ai finalement opté pour ISLANDS OF DESIRE, car ce titre est plus ouvert et, à mon avis, plus poétique. J‘ai aimé et j‘aime toujours le fait que le mot anglais DESIRE soit ambigu et puisse être traduit aussi bien par désir, convoitise, envie et souhaits.

Trouver d‘autres artistes* dont les œuvres correspondraient au thème de l‘exposition s‘est avérée difficile. Je n‘ai pas été surpris de constater que la plupart des recherches sur Google renvoyaient plutôt sur l‘érotisme gay sous toutes ses formes. Cela s‘explique probablement par le fait que les hommes gays ont fait partie, avec les drag queens et les transsexuels, des activistes de la première heure qui ont lutté pour leur émancipation et leurs droits, notamment lors de la révolte dite de Stonewall en 1969 sur Christopher Street à New York, considérée depuis comme l‘acte de naissance du mouvement homosexuel moderne. J‘ai cependant été surpris de constater que _queer_ est souvent utilisé comme hashtag sur Instagram et sur des sites web personnels comme stratégie de marketing pour stimuler les ventes de céramiques fades et artistiquement douteuses. Néanmoins, au cours de mes recherches, j‘ai découvert des œuvres qui répondaient à mes attentes. Pour mon plus grand plaisir, Stephen Benwell, Adam Chau et Kathy King sont donc présents dans l‘exposition avec leurs œuvres.

Kirsten Brünjes, Gundi Dietz, Marja Hooft, Esther Shimazu et Lena Takamori ont en partie créé de nouvelles œuvres pour l‘exposition. En mémoire de Christyl Boger, décédée trop tôt, je voulais absolument montrer une de ses œuvres. Enfin, les personnages de Caro Suerkemper, qui évoluent entre allusions érotiques et moments grotesques, ont toute leur place dans cette narration.

.
L‘œuvre de Stephen Benwell (1953, Australie), comprend des céramiques, des dessins, des travaux sur papier et des peintures. Bien qu‘il n‘ait pas reçu de formation formelle en céramique, ce médium constitue la base de sa pratique artistique. Son œuvre céramique suit les préoccupations picturales et sculpturales de l‘artiste contemporain. _Le nu masculin, l‘évocation du beau héros, est le motif qui revient le plus souvent dans l‘œuvre de Benwell. Les réminiscences de la sculpture grecque classique et des idéaux de beauté masculine sont évidentes, mais elles sont également autobiographiques. Le personnage est Benwell lui-même, et son leitmotiv est le point de vue homosexuel._ Les personnages de Stephen Benwell sont solitaires, pensifs et réservés, et nous permettent de méditer sur la beauté idéale ainsi que sur le désir et la convoitise humains.

.

Dans ses œuvres, Christyl Boger (1959-2018, États-Unis) associe des représentations de la figure contemporaine à des emprunts aux figurines savamment travaillées du baroque et du rococo, créant ainsi des œuvres qui portent autant sur le comportement humain que sur l‘objet de la beauté physique. La matière céramique rend chaque figurine à la fois peau et enveloppe, réalité et pensée. En tant qu‘artiste, je me suis toujours intéressé à l‘exercice d‘équilibre auquel se livre l‘homme-animal, à notre lutte permanente entre pulsion et contrôle, aux désirs du corps recouverts d‘une couche de contraintes culturelles._ Les personnages de Christyl Boger sont des métaphores d‘un sujet humain marqué par les traditions sociales et culturelles, mais aussi submergé par l‘attrait de désirs innommables. _Mes figures… portent les marques de leur nature comme de leur enculturation. Les attitudes du calme classique révèlent au second regard des gestes figés quelque part entre l‘acte de dissimulation et l‘expression impudique de soi et de son désir._

.

Kirsten Brünjes (1964, D) a réuni pour l‘exposition un groupe de nouvelles figures et de figures retravaillées. Comme nous le savons d‘elle, rien n‘est en réalité ce qu’il apparaît au premier coup d‘œil, car elle nous conduit toujours sur de fausses pistes pour ouvrir de multiples niveaux et sens. Son interprétation du thème de l‘exposition est inattendue, le message est codé et associatif. Le travail artistique de Kirsten Brünjes repose sur trois principes : le courage de l‘imperfection, le jeu des ambivalences et la communication de l‘intériorité. Les yeux, conçus avec une minutie naturaliste, servent à établir le contact et à transmettre le monde intérieur et extérieur. Dans le regard clair et franc de ces antihéros, une étonnante conscience de soi se révèle et, dans cette rencontre subjective, la dimension humaine des personnages devient perceptible.

.

Adam Chau (1988, États-Unis) fabrique des objets en porcelaine bleu et blanc, utilisant du cobalt comme pigment. Ce faisant, il établit des parallèles à la fois avec l‘artisanat historique, qui a une longue histoire de globalisation, et avec un matériau utilisé dans l‘industrie électronique. Les images générées par l‘IA sur les assiettes présentées dans l‘exposition sont créées en donnant des instructions textuelles précises (prompts) à un logiciel afin d‘obtenir certains types d‘images. Pour _Generated Love_, j‘ai imaginé un monde où l‘homophobie n‘existe pas et je me suis demandé ce qui se serait passé si les artistes céramistes de la Chine de la dynastie Ming avaient été gays ? À quoi ressemblerait notre monde si nous célébrions l‘identité queer ? Nos œuvres refléteraient-elles ce mode de pensée inclusif ? Je dis au logiciel d‘IA d‘imaginer des céramiques où _deux hommes sont amoureux_, car je pars du principe que le mot _amour_ est subjectif et ne signifie rien pour le logiciel. J‘obtiens ainsi des images qui sont tendres et qui transmettent un type d‘affection bien précis._

.
Au fil des années, Gundi Dietz (*1943, Autriche) a réduit de plus en plus à leur substance fondamentale ses personnages, qui manifestent aussi bien une idée supra-individuelle qu‘une paternité personnelle et empathique. Alors qu‘elle leur associait auparavant des attributs ou des signes évidents de danger et de blessure, de force et de vitalité, elle se concentre aujourd‘hui uniquement sur l‘expression. Outre ses personnages féminins désormais mondialement connus, Gundi Dietz a toujours représenté et continue à le faire, l‘entre-deux sexes avec une grande évidence, dans des figures touchantes et impressionnantes. La forme, les proportions et les détails sont aussi cohérents qu‘originaux et témoignent d‘une maîtrise exceptionnelle, tant dans l‘utilisation du matériau que dans la réalisation de l‘intention artistique. Gundi Dietz travaille contre la complaisance. Pour elle, le beau et le laid, le repoussant et l‘attirant ne sont pas clairement et simplement séparés. Chaque être est les deux, il a sa dignité et ses blessures.

.

Marja Hooft (1946, NL) a fondé le groupe d‘artistes Cheops en 1985. Ce groupe a tenté de créer une alternative à la céramique néerlandaise, généralement traditionnelle. L‘expérimentation et l’émulation artistique mutuelle étaient au premier plan. Le collectif a été dissous en 1996. Depuis, ils se concentrent sur la figure humaine. Il s‘agit d‘objets légers et narratifs, dans lesquels l‘homme et l‘animal se soutiennent mutuellement et semblent parfois se confondre. Depuis toujours, elle s‘intéresse également à la représentation d‘un érotisme queer subtil et ludique, qu‘elle nous présente dans le style de la porcelaine classique de Delft, unique par son imagerie d’apparente naïveté.

.

Audrius Janušonis (*1968, Lituanie) est un observateur sensible, un chroniqueur du comportement humain. En 1994, il a terminé ses études de sculpture à l‘Académie des Beaux-Arts de Vilnius. Depuis, il consacre son travail artistique à la figure humaine. Le caractère narratif, l‘humour fin, parfois sournois et sombre, et le symbolisme raffiné de ses figures, façonnées avec virtuosité, suscitent de multiples associations. Il est souvent difficile de distinguer où se termine la réalité et où commence l‘onirisme. Les apparences prennent un sens en tant que symboles d’un processus intérieur. Au début des années quatre-vingt-dix, Audrius Janušonis s‘est intéressé, dans différentes versions, au travestissement et au rôle des sexes ou à l‘attribution ambiguë du sexe. Il y représente Frank Zappa, dont le groupe s‘appelait _The Mothers_ et pour la musique duquel l’artiste s‘était passionné dans sa jeunesse.

.

Le travail de Kathy King (1968, États-Unis) se concentre sur la représentation de récits avec un point de vue féministe. L‘utilisation du sgraffito fait référence à sa formation de graphiste. La technique du sgraffito consiste à superposer deux couches de peinture, puis à gratter des parties de la couche supérieure alors que la peinture supérieure n‘est pas encore complètement sèche. Les idées picturales de Kathy King sont influencées par ses expériences personnelles, c‘est pourquoi elle s‘intègre souvent sur elle-même et en fait un personnage de son travail. Ses œuvres sont souvent accompagnées d‘un message écrit qui renforce encore l‘effet des tableaux. Kathy King s‘intéresse à la manière dont la culture populaire dans les médias de masse imprimés et numériques ne fait pas que refléter la vie des femmes, mais la façonne également, et elle examine cette influence de manière critique. Avec humour, ironie et sarcasme, elle aborde dans son travail les questions de genre et de sexualité et remet en question les normes sexuelles traditionnelles.

.

Les femmes et les hommes d‘Esther Shimazu (*1957, USA), travaillés avec minutie et naturalisme jusque dans les détails les plus fins, frappent par leur taille et leur corpulence comme une réinterprétation de la figure nue. Ces figures sont indéniablement marqués par les origines japonaises de l‘artiste. Toujours une part d‘autoportrait, sincères, sensuels, sans pudeur et voluptueux avec leurs ventres ronds, leurs fossettes aux joues, leurs têtes nues, leurs rires diaboliques et joyeux, les personnages dégagent, dans un mélange d‘expérience et d‘innocence, une joie de vivre irrésistible et engageante. Une grande partie du raffinement des œuvres d‘Esther Shimazu, marquées par les sculptures historiques asiatiques, réside dans le positionnement minutieux des minuscules mains et des petits pieds et dans leur contraste avec les corps et les têtes volumineux. Les mains se tordent gracieusement et rappellent à dessein le jeu de gestes des figures hindoues, des danseurs polynésiens et du hula hawaïen, reflétant de la sorte la symbolique asiatique et l‘humanité multiculturelle.

.

Le thème de prédilection de Caro Suerkemper (1964, D) est le corps humain dans sa torsion extatique et son imprégnation émotionnelle. Elle reprend des concepts de l‘art de la porcelaine des 17e et 18e siècles et exagère les figures féminines modelées ou peintes dans des scénarios provocants et voluptueux. L‘éventail des motifs va de la dévotion obscène à des tentatives d‘affirmation de soi latentes et agressives. Ce faisant, l‘artiste ne cherche pas à produire des effets superficiels, mais à interroger l‘identité et l‘empreinte sociale et culturelle. Qu‘elles soient chastes ou dévergondées, criardes ou retenues, toutes les figures restent en fin de compte intégrées dans un réseau de règles et de conventions ; même dans la représentation la plus extravagante de soi-même se cache un jeu de rôles déterminé par autrui. Le groupe de personnages _Progress_ fait penser à une sculpture baroque destinée à l‘édification érotique du spectateur*. Si l‘on y regarde de plus près, il s‘agit d‘une représentation pointue de la domination et de la soumission. Avec ses personnages, Caro Suerkemper formule son questionnement des règles du jeu, du systèmes d‘ordre, ainsi que son intérêt pour les questions de pouvoir et d‘impuissance, de plaisir et de contrôle.

.

Les _envelope-vessels_ d‘Akio Takamori (1950 - 2017, J/USA) sont _un développement de son idée qui a fait grand bruit dans l‘art des récipients au début des années 1980, non seulement parce qu‘il a fait évoluer la forme millénaire du récipient, mais aussi parce qu‘il a transformé l‘espace vide propre au récipient, contenant à l‘origine des aliments, en un espace émotionnel grâce aux deux amants qui se font face. Ses _lovers_ montrent non seulement des couples hétérosexuels, mais aussi des couples homosexuels qui font l‘amour. Akio Takamori renonce à tout attribut. Seuls les regards et les postures lui permettent d‘entrevoir la nature de la relation. Bien que l‘influence de Kitagawa Utamaro (1753-1806) sur les récipients-enveloppe soit indiscutable, Akio Takamori élargit la thématique non seulement en ce qui concerne la dimensionnalité, mais aussi l‘universalité du pouvoir de l‘éros, par exemple en distinguant les différents acteurs par leurs couleurs, pour faire aussitôt fusionner les caractéristiques ethniques suggérées dans l‘acte d‘amour - comme toutes les autres différences. Avec ses _envelope-vessels_, Akio Takamori a mis en évidence _le sens existentielle de l‘éros dans l‘équilibre qui lui est propre entre expressivité puissante et humanité sensible._

.

Lena Takamori (1990, USA/UK) suit sa propre voie artistique, indépendamment des tendances actuelles qui dominent le marché de l’art. Ses œuvres séduisent par leur originalité et leur grande qualité artistique, tant en sculpture qu‘en peinture. Elle trouve l‘inspiration pour ses œuvres dans la vie quotidienne – contempler d‘une nouvelle manière ce qui lui semble déjà familier. Avec _Stepping Out of Dress_, Lena Takamori a immortalisé un moment intime de déshabillage, généralement privé et parfois érotique, qui éveille la curiosité et suscite bien des questions.

Hanspeter Dähler